Orchestr
Orchestr je hudební soubor používal nejvíce často v klasické hudbě. Malý orchestr (o čtyřiceti hráčích) je volán komorní orchestr.
Plný velikostní orchestr (o šedesáti hráčích) může někdy být volán”symfonický orchestr#rquote nebo “filharmonický orchestr”; tyto předpony nutně neukážou nějaký přísný rozdíl v jeden pomocná ústava nebo role orchestra, ale moci být užitečný rozlišovat různé soubory založené ve stejném městě (pro příklad, Londýn symfonický orchestr a Londýn filharmonický orchestr). Symfonický orchestr bude obvykle mít přes osmdesát hudebníků na jeho seznamu, v některých případech přes sto, ale skutečný počet hudebníků zaměstnaných ve zvláštním výkonu může se měnit podle práce být hrán, a velikost dějiště. Vedoucí komorní orchestr by mohl upotřebit tolik jako padesát členů; někteří jsou hodně menší než to.
Vybavení a proporce
Typický symfonický orchestr sestává ze čtyř úměrných skupin podobných hudebních nástrojů, obecně se objevit v hudebním skóre v následujícím pořádku (s proporcemi signalizoval):
- dřevěné nástroje: 2 flétny *, pikola, 2 hoboje *, anglais cor, 2 klarinety *, basový klarinet, 2 fagoty *, contrabassoon
- mosaz: 2 * k 6 rohům *, 2 * k 5 trubkám *, 2 pozouny, basový pozoun, tuba
- percussion: timpani *, malý bubínek, basový buben, celesta, etc.
- řetězce: harfa (s), 16 k 30 (nebo více) housle *, 8 k 12 (nebo více) violy *, 8 k 12 (nebo více) čela *, 5 k 8 (nebo více) kontrabasy *, a klavír,.
- Občas, tradiční větrové sborové nástroje se objeví, takový jako saxofon a euphonium.
Nástroje (a jejich minimální počet) označený s hvězdičkou nahoře být považován za “jádro” symfonické nástroje, a jediný v rarest případů nejsou nazvané pro ve většině symfonické literatuře. Jiné nástroje se naklonily nahoře být považován za “pomocné” nástroje a být méně často požadovaný, ale ještě odkazoval se na jako “standard”. Pozdní 19th-staleté symfonické práce volat po všichni přídavné přístroje, stejně jako velké množství řetězců, obvykle zahrnovat frázi “pro velký orchestr” v jejich plných titulech. Příklad: Richard Strauss” Ein Heldenleben.
Beethoven má vliv
Takzvaný “doplněk standardu” ' zdvojnásobit větry a mosaz v orchestru od začátku polovina 19. století je obecně přičítána sílám volal po Beethoven v jeho symfoniích. S jedinou výjimkou jeho čtvrté symfonie a houslovým koncertem (který udá singulární Flauto), vybavení skladatele vždy zahrnovalo párované flétny, hoboje, klarinety, fagoty, rohy a trubky. Expanze tohoto timbral “paletu” v symfoniích 3, 5, 6 a 9 je opatrně spočítán Beethoven na zvláštní efekt. Třetí roh v “Eroica” symfonii přijde ne jen aby poskytoval harmonickou ohebnost, ale také nový účinek “chorálové” mosazi v triu. Pikola, contrabassoon a pozouny se přidají k vítěznému jeho fináli opus 67. Pikola a pár pozounů pomohou doručit bouřku a slunce v šestý. Mocný Ninth požádá o druhý pár rohů poprvé pro důvody podobné Eroica; Beethoven je použití pikoly, contra, pozouny a percussion spolu se slovy v jeho fináli být jeho nejčasnější návrh, že timbral hranice “symfonie” by mohly být rozšířeny navždy. Až na několik dekád po jeho odchodu, symfonické vybavení byl věrný k Beethoven je zachovalý model, s nemnoha výjimkami.
Rozšířené vybavení a personál
Přídavné přístroje nejsou považovány za standard ale být skóroval občas. Příklady těchto nástrojů zahrnují saxofon, flugelhorn, kornout, euphonium, harmonika skla, tuba wagner, zvonky, kravský zvon, harmonika, theremin, ondes martenot, mandolínu, kytaru, orgán a harmonium. Například, saxofony jsou vyžadovány v omezeném rozmezí 19th a 20. staletý repertoár. Zatímco vypadá jako jediné jak uváděné sólové nástroje v některých pracích, jak v Mauriceovi Ravel je řízení Modeste Mussorgsky obrazů na výstavě, jiný Ravel pracuje takový jak jeho Bolero obsahovat psaní pro saxofon jako člen orchestrálního souboru. Podobně, euphonium je vystupoval v nemnoho romantismu a 20. století pracuje a kornouty se objeví v Tchaikovsky baletu Swan jezero, Claude Debussy je La Mer, a několik orchestrálních prací Hector Berlioz. Ledaže tyto nástroje jsou hrány zdvojením členů s dalším nástrojem (například, pozounové hráčské střídání k euphonium pro jistý průchod), orchestry budou používat nezávislé hudebníky umožnit jim autenticky představovat práce, které vyžadují instrumentalisty že oni nemají v štábu. Například, zatímco většina větších orchestrů přece zaměstnává harfenistu, ti to dělat ne, nebo to vyžadovat druhou harfu pro větší práci, najme non-hráči seznamu pomoci v těch výkonech.
Organizace
Mezi skupinami nástroje a uvnitř každé skupiny nástrojů, tam je všeobecně přijímaná hierarchie vedení. Každá pomocná skupina (nebo sekce) má ředitel (nebo sólista) kdo je obecně zodpovědný za hraní sól uvnitř a vést skupinu. Housle jsou rozděleny do dvou skupin, prvních houslí a druhých houslí, a proto mít dva ředitele. Hlavní první housle jsou nazývány concertmaster (nebo vůdce) a je považován za vůdce ne jediný smyčcová sekce, ale celého orchestru, podřízený jediný k dirigentovi. Pozoun ředitele je považován za vůdce minima-mosaz (pozoun, bas-pozoun, tuba) sekce, zatímco hlavní trubka je obecně považována za vůdce celé dechové sekce. Podobně, hlavní hoboj (nebo někdy flétna ředitele) je považován za vůdce celé dechové sekce. Roh, zatímco technicky dechový nástroj, často hraje v roli jak dřevěného nástroje tak mosazi. Nejvíce sekce také mají Assistant ředitele (nebo Co-ředitel, nebo mimořádný ředitel), nebo v případě prvních houslí, Assistant concertmaster, kdo často hraje tutti roli navíc k narazení ředitel v jeho nebo její nepřítomnost. Tutti (nebo sekce) hráč obecně hraje jeden jedinečný ale non-sólově se rozdělit (v případě větrů, mosaz a percussion), nebo jednohlasně se skupinou (v případě řetězců). Kde sólová část je vyžadována v smyčcové sekci, například v houslích, ta část je trvale hrána vedoucím konstruktérem.
V moderní době, hudebníci jsou obvykle režírovaní dirigentem, ačkoli brzy orchestry neměly jednoho, používání místo toho concertmaster nebo harpsichordist hrát continuo pro tuto roli. Některé moderní orchestry také se obejdou bez dirigentů, zvláště menší orchestry a ti se specializovat na historicky přesné výkony barokní hudby a dříve.
Nejvíce často vykonávaný repertoár pro symfonický orchestr je západní klasická hudba nebo opera. Nicméně, orchestry jsou někdy použity v populární hudbě, a být také používán značně v scénické hudbě.
Historie orchestru
Prehistorie
V 15. a 16. století v Itálii domácnosti šlechticů měly hudebníky poskytovat hudbu pro tanec a dvůr, nicméně se vznikem divadla, zvláště opera, v brzy 17. století, hudba byla zvýšeně psána pro skupiny účastníků kombinace: který je původ orchestrálního hraní. Opera vznikla v Itálii a Německu dychtivě následoval. Drážďany, Mnichov a Hamburk postupně stavěl operní divadla na konci 17. století opera vzkvétala v Anglii pod Henrym Purcellem, a ve Francii pod Lully, kdo se spoluprácí Molière také velmi zvýšil stav zábav známých jako balety, roztrousil s pomocnou a hlasitou hudbou.
V 17. století a brzy 18. století pomocné skupiny byly vzaty od všech s dostupným nadáním. Skladatel takový jako Johann Sebastian Bach měl kontrolu přes téměř všichni hudebních zdrojů města, zatímco Handel by najal nejlepší dostupné hudebníky. Toto dalo prémii na bytí schopné přepsat hudbu pro kterákoliv zpěváci nebo hudebníci byli nejlépe vhodní pro výkon — Handel vytvořil různé verze Mesiáš oratorium téměř každý rok.
Jak šlechta začala budovat se ustoupí od měst, oni začali najmout stálé instituce hudebníků. Skladatelé takový jako mladí Joseph Haydn by měl, pak, fixovaná skupina instrumentalistů k práci s. Současně, pohybliví virtuózní umělci by psali concerti, který představoval jejich dovednosti a cestu z města do města, pořádání koncertů od whoever bylo tam. Aristokratické orchestry pracovaly spolu přes dlouhá časová období, umožňovat to pro soubor, který účinkuje se zlepšit v průběhu doby.
Mannheim škola: forma znamená funkce
Tato změna, od městské hudební výroby kde skladatel měl nějakou míru času nebo kontroly, k menší dvorní hudební výrobě a výkonu jednorázové záležitosti, dal prémii na hudbu to šlo snadno se učit, často s malý nebo žádná zkouška. Výsledky byly změny v hudebním stylu a důraz na nových technikách. Mannheim měl jeden z nejslavnějších orchestrů toho času, kde notated dynamiku a frázování, předtím docela vzácný, se stal standardem (viz Mannheim škola). To také navštěvovalo změnu v hudebním stylu od komplexního kontrapunktu barokního období, k důrazu na jasné melodii, homophonic strukturám, krátkým frázím a častým kadencím: styl, který by později byl definovaný jak klasický.
Během pozdě 18. staletí skladatelé by pokračovali muset sestavit hudebníky pro výkon, často volal “akademii”, který odkázaný, přirozeně, uvádět jejich vlastní složení. V 1781, nicméně, Lipsko Gewandhaus orchestr byl organizován od obchodníků společnost koncertu, a to začalo trend k vytvoření městských orchestrů, které by vyrazily do 19. století. V 1818, Boston je Handel a Haydn společnost byla založena, v 1842 New York Philharmonic a Vídeň Philharmonic byl tvořen, a v 1858, Hallé orchestr byl tvořen v Manchesteru. Tam dlouho byl stálé instituce hudebníků kolem oper, ale ne pro koncertní hudbu: tato situace se měnila v brzy 19. století jako součást rostoucího důrazu ve složení symfonií a jiných čistě pomocných forem. Toto bylo povzbuzeno kritiky skladatele takový jak E.T.A. Hoffmann kdo deklaroval, že instrumentální hudba byla “nejčistější forma” hudby. Vytvoření orchestrů postavení také vyústilo v profesionální kostru kde hudebníci mohli nacvičovat a dělat stejné práce přes a znovu, vést k představě o repertoáru v instrumentální hudbě.
Habeneck, Beethoven, a usilovat o znamenitost
Výkonostní normy
V 1830s dirigentovi François Antoine Habeneck, aby vykonával symfonie Beethoven, který nebyl slyšen v jejich celku v Paříži, začal zkoušet vybranou skupinu hudebníků. On rozvinul techniky nacvičování řetězce odděleně, notating specifika výkonu a jiné techniky cuing vstupů, které byly se šíří přes Evropu. Jeho soupeř a přítel Hector Berlioz by adoptoval mnoho z těchto inovací v jeho cestování Evropy.
Pomocná dovednost
Toto bylo paralelizováno rychlou standardizací nástrojů. Vynález pístu nebo ventilu Stolzel a Blilmel, oba Silesians, v 1815, byl první v sérii inovací, včetně vývoje moderních keywork pro flétnu Theobald Boehm a inovace Adolphea Saxe v dřevěných nástrojích. Tyto zálohy by vedly Hectora Berlioz napsat orientačnímu bodu knihu o vybavení, který byl první systematické pojednání o použití pomocného zvuku jako výrazný prvek hudby.
Účinek vynálezu ventilů pro mosaz byl cítěn téměř okamžitě: nástroj-výrobcové v celé Evropě se snažili spolu se starat o použití těchto nově rafinoval nástroje a pokračovat v jejich dokonalosti; a orchestr byl dříve dlouho obohacený novou rodinou nástrojů valved, různě známý jako tuby nebo euphoniums a bombardons, mít chromatickou stupnici a plný hlasný tón veliké krásy a ohromná hlasitost, tvořit velkolepý bas. Toto také dělalo možný jednotnější hraní poznámek nebo intonace, který by vedl k více a více “hladit” orchestrální zvuk, který by vyvrcholil v padesátých létech se Eugeneem Ormandy a Philadelphia orchestr a vedení Herberta von Karajan s Berlínem Philharmonic.
Během tohoto přechodného období, který postupně uklidnil výkon více požadovat “přirozenou” mosaz psaní, mnoho skladatelů (pozoruhodně Wagner a Berlioz) stále notated mosaz se rozdělí pro starší “přirozené” nástroje. Tato praxe umožnila to pro hráče ještě používat přirozené rohy, například, hrát od stejných částí jako ti nyní hrát na valved nástroje. Nicméně, v průběhu doby, použití nástrojů valved se stalo standardem, opravdu univerzální, až do obnovy starších nástrojů v současném hnutí k původnímu výkonu (někdy známému jako “historicky informovaný výkon”).
U doby vynálezu mosazi valved, orchestr dolu většina skladatelů operety se zdá k byli docela skromní. Příklad je Sullivanovo použití 2 fléten, 1 hoboj, 2 klarinety, 1 fagot, 2 rohy, 2 kornouty (píst), 2 pozouny, bubny a řetězce.
Důležitost instrumentace
Nové orchestrální účinky byly možné nyní to stálé orchestry byly tvořené, větry a mosaz byli rozšíření, a měl zvýšeně snadný čas hraní v melodii spolu navzájem: zvláště schopnost pro skladatele ke skóre pro velká množství větru a mosazi, která předtím byla nepraktická. Pracuje takový jako zádušní mše Hectora Berlioz odkázaný byli nemožní hrát jen nemnoho dekád dříve, s jeho náročným psaním pro dvacet dřevěných nástrojů, stejně jako gigantický dechový soubor včetně šesti rohů, osm trubek, osm pozounů, a tři tuby.
Wagner má vliv: velký orchestr
Příští hlavní expanze symfonické praxe přišla, ironicky, od Wagnerova Bayreuth orchestra, založený doprovázet jeho hudební dramata. Wagnerovy práce pro stádium byly zaznamenány s nebývalým rozsahem a složitostí: opravdu, jeho skóre k Das Rheingold hovorům pro ne méně než osm harf. Tak Wagner představil si někdy-více-žádat roli od dirigenta divadelního orchestru, jak on pracoval v jeho vlivné práci “na vedení”. Toto vyvolalo revoluci v orchestrální skladbě a souboru styl pro orchestrální výkon pro dalších osmdesát roků. Wagnerovy teorie přezkoušely důležitost temp, dynamiky, vyklenutí smyčcových nástrojů a role ředitelů v orchestru. Dirigenti, kteří zkoumali jeho metody by pokračovali být vlivný sám.
20. století: nahrávky a filmy
Jak brzy 20. století svítalo, symfonické orchestry byly větší, lepší-financovaný, a lepší-cvičil než někdy dříve; následně, skladatelé mohli složit větší a ctižádostivější skladby. S nahrávkovým věkem, který začíná, standard výkonu dosáhl vrcholu. V nahrávkách, malé chyby ve výkonu mohly být “fixovaný,” ale mnoho starší dirigenti a skladatelé mohli pamatovat si čas když prostě “projde” hudba co nejvíce nejlepší byl standard. Kombinoval s širším obecenstvem vyrobený možný nahrávkou, toto vedlo k obnovenému zájmu o zvláštní dirigenty a na vysokém standardu orchestrální popravy. Jak zvuk byl přidán k němému filmu, virtuózní orchestr se stal klíčovou součástí založení filmů jako hmota-prodávat zábavu.
Kontrarevoluce
Ve dvacátých létech a třicátých létech ekonomický také jak umělecká uvažování vedla k vytvoření menších koncertních společností, zvláště ti se oddali výkonu hudby avantgardy, včetně Igora Stravinsky a Arnold Schoenberg. Tato tendence odstartovat orchestry festivalu nebo vyhrazené skupiny by také byla honěná ve vytvoření léta hudební festivaly, a orchestry pro výkon menších prací. Mezi nejvlivnější tito byli akademie St. Jiřička v polích pod obuškem sira Nevillea Marrinera.
S příchodem časného hudebního hnutí, orchestry kde hráči zpracovaní na provádění prací ve stylech odvozených ze studie o starších pojednáních o hraní stali se obyčejní. Tito zahrnují Londýn klasické hráče pod směrem sira Rogera Norrington a akademie starověké hudby pod Christopherem Hogwood, mezi ostatními.
Nedávné trendy
Pozdě 20. století vidělo krizi finance a podporu pro orchestry ve Spojených státech a, do lesser rozsahu, v Evropě. Velikost a cena symfonického orchestra, se vyrovnal velikosti základu podporovatelů, se stal záležitostí, která udeřila na jádro instituce. Drastický pokles ve výnosech od nahrávky, svázaný k žádnému malému rozsahu ke změnám v nahrávacím průmyslu sám, zahájil období změny to má zatím dojít k jeho závěru. Kritici takový jako Norman Lebrecht byl hlasitý v jejich diagnóze problému jak “dirigenta mezinárodní smetánky” a problémech orchestrálního repertoáru a vedení, zatímco jiní administrátoři hudby takový jako Michael Tilson Thomas a Esa-Pekka Salonen dohadoval se o té nové hudbě, nové prostředky představovat to, a obnovený vztah s komunitou mohl revitalize symfonický orchestr.
Mezitím, orchestry dělaly jejich cestu k masové kultuře. Všestranný skladatel Michael Jackson používal symfonický orchestr splnit jeho umělecký self-výraz v postmoderní hudbě a neoklasicistních kusech (Morfin, 1997, Dětství, Malý Susie, 1995, Němý, 2001).
Conductorless orchestry
Pošta-revolucionář Первый Симфонический Ансамбль (Pervyi Simfonicheskii Ansambl ' - nejprve symfonický soubor) byl tvořen v SSSR v 1922. Neobvyklá stránka orchestra bylo to, věřit, že v ideálním marxistickém stavu všichni muži jsou se rovnat, jeho plst členů, která tam byla žádná potřeba být vedla o diktátorskou taktovku; místo toho oni byli vedeni výborem. Ačkoli to byl částečný úspěch, hlavní potíž s pojetím byla v měnícím se tempu. Orchestr přežil pro deset roků a musel být rozpuštěn jediný když individuální talenty začaly bouřit se proti přísné kontrole pod kterým oni byli očekáváni ke hře.
Některé soubory, takový jako Orpheus soubor, umístěný v New Yorku, měli více úspěchu, ačkoli rozhodnutí pravděpodobně jsou podřídil se nějakému smyslu pro vedení uvnitř souboru (pro příklad, hlavní vítr a hráče řetězce).
Jiní se vrátili k tradici hlavního hráče, obvykle houslista, být umělecký ředitel a průběžné zkoušky (takový jako australský komorní orchestr).
Jiné významy
Ve starověkém Řecku orchestr byl prostor mezi sálem a proscenium (nebo stádium), ve kterém byl rozmístil chór a instrumentalisty. Toto je jak moderní orchestr dostal jeho jméno.
V některých divadlech, orchestr je oblast míst přímo před stádiem (volal “primafila” nebo “platea”); termín více vhodně platí o místě v divadle nebo koncertní sál zapadl odděleně pro hudebníky.